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![打开孩子世界的100个心理游戏——温暖的艺术互动魔法 [美]艾丽卡·柯蒂斯](http://103.6.6.66/upload/mall/productImages/24/31/9787111755265.jpg)
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| 編輯推薦： |
1. 包豪斯学院和库伯联盟学院艺术史教授，美国美学协会纽约分会主席代表作，中文版仅此一部，兼具专业性与普及性。
2. 针对大众看不懂西方名画的问题，给出了一个提升审美素养和艺术鉴赏力的捷径。
3. 详解西方绘画的7大类和16个小类，精当点评200艺术家和238幅名画。
4. 采用独特的写作方式，将同一主题不同时期的绘画作品并置，数百年风格演变，一目了然。
5. 以风格演变为轴，线梳理西方绘画2000千年发展脉络。
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| 內容簡介： |
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《像艺术史学家一样读画》一书旨在帮助读者提升艺术鉴赏力和审美素养。针对人们面对主题纷繁、风格各异的西方绘画毫无头绪的问题，作者结合艺术史与美学理论，采用将不同时期的同主题画作进行对比评述的方式，使读者对西方绘画2000 年来的复杂变化一目了然。这种独特的写作方式既可以帮助读者快速掌握，以往可能需要数年时间才能掌握的关于西方绘画的背景知识，也为读者深入学习提供了便利。
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| 關於作者： |
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保罗·祖克，艺术史学者、艺术评论家、建筑史学家。毕业于柏林工业大学，获博士学位。曾在德国包豪斯学院执教，后移居美国，在纽约社会研究新学院和库伯联盟学院讲授艺术史和建筑史。曾担任美国美学协会和建筑史学家协会纽约分会主席。曾荣获德意志联邦共和国一等功绩十字勋章、美国建筑师学会阿诺德·布伦纳奖，以及库伯联盟学院罗西奖。著有《艺术哲思录：保罗·祖克与一位年轻人的对话》《文艺复兴时期的意大利建筑》等。
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| 目錄：
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第一版序言
多佛版序言
Ⅰ艺术与风格
艺术创作的双重属性
风格的意义
塑造风格的因素
内容的重要性
Ⅲ西方绘画的基本分类
人体绘画
亚当和夏娃
斜倚裸体
美惠三女神
群体构图：神话与宗教
帕里斯的裁决
最后的晚餐
三博士朝圣
群体构图：当代场景和流派
浴 者
野 餐
玩纸牌者
宴会和节庆
肖像画
个人像
自画像
双人像和群像
风景画
室内画
圣母的诞生
画室里的艺术
窗边的女孩
静物画
Ⅲ 绘画风格简史
早期文明与绘画
早期基督教和拜占庭风格
中世纪风格
意大利文艺复兴早期
文艺复兴全盛时期、矫饰主义和巴洛克风格
15、16世纪的尼德兰和德国
17世纪的荷兰和佛兰德斯
18世纪
古典主义与浪漫主义
写实主义与印象派
20世纪
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| 內容試閱：
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市面上的艺术通史类著作已经足够多了。研究者们通过对个别艺术家、具体艺术作品以及不同历史时期的大量研究，为我们提供了丰富的事实信息和宏大的历史视角。此外，哲学家、艺术家和艺术评论家也从美学角度分析了艺术领域的各种问题。相比之下，本书试图通过比较不同时代艺术家对某些相似主题的不同处理方式，将史学和美学方法结合起来。这样做的目的是呈现不同时期和地区的共同视觉经验，追溯一代又一代视觉模式的转变，阐明西方艺术中什么是永恒的，以及什么是变化的。通过对具体案例的分析，本书呈现了西方绘画风格的发展历程。
进行选择就意味着有所取舍，可能每一位读者，或者至少每一位专业人士，在看这本书时，都会发现很多他们最喜欢的作品没有被收录其中，或者对本书收录的作品是否具有代表性持不同的看法。例如，书中没有收录处于同一时期的格吕内瓦尔德、蒂埃波罗、德加，而只选择了卡拉瓦乔。尽管这些极具个性的画家都很杰出，但是其他画家的作品可能会更清楚地显示出那个时期的创作倾向。另外，我们的目的不仅仅是呈现“二百多幅名画”，甚至不是介绍每位艺术家最著名的作品，而是介绍那些最能体现各种风格发展的作品。书中所讨论的每一个主题，也都是根据其特殊的意义来选择的。本书没有列出参考书目，也没有引用关于美学或一般艺术哲学的书籍，因为本研究涉及的任何关于个别艺术家或特定时期的著作的清单都会极为冗长。
本书的第一版在出版后不久即售罄，虽然收到了许多要求再版的请求，但由于技术原因而作罢。感谢多佛出版社及其总裁海沃德·西尔克先生将此书再次呈现给广大读者。
本书使用历史与美学相结合的比较方法，将类似题材的画作并置，以此来研究绘画中连续的风格特征。这样就可以排除那些归因于单个艺术家个性的绘画差异，从而揭示真实的历史趋势。毕竟，艺术史不应仅揭示绘画技法上的演进，或如何使我们更接近“真实”，还应该说明每个时代重要视觉形式存在何种持续性变化。
为揭示这一发展，书中涉及的主题都很基础，从裸体人物画到宗教寓言画，从室内场景画到风景画，从静物画到风俗画。希望本书能引起人们对艺术的兴趣和热情。毕竟，情感和领悟应该是相辅相成的，艺术启蒙和心灵愉悦没有理由不能结合在一起。
要想掌握单独一件艺术作品的意义，有两点是必不可少的：一是对形式和色彩受外界影响的直观认识，二是了解那个时代和地区的人如何看待他们的世界。本书的写作初衷是通过为读者提供历史和美学背景，以使读者更全面地对艺术做出回应。本书第一部分探讨了历史方法的原则和基本的美学思想。第二部分列举了构成本书主体的具体绘画作品，通过将这些画作并置与比较，从整体上反映了西方绘画的发展。第三部分概述了西方绘画风格的历史，并充分意识到所概述内容的局限性。这一浓缩的艺术史概览，是专为那些对在宏大历史和艺术发展背景下讨论具体作品感兴趣的大众和学生而作。虽然成年人的眼睛和青少年的眼睛，就如同成熟的心智和不成熟的心智一样，但艺术鉴赏力只有通过获得大量有意识的印象才能变得成熟。只有接受过训练的视觉才能在一片模糊的形状和图像中找到其中的路径，而这往往是寻求艺术享受的人能够获得唯一的奖赏。
画家布丹说，“完美是一项集体创作”。每一代人都在改变集体努力的方向，因此我们需要了解一代又一代人在观念上发生转变的历史背景。为了梳理这种变化，我们必须比较每个时代的典型艺术作品，它们的共同特征将定义每一代人的视觉理念。这些理念的发展顺序就是“风格”的历史。
这些典型作品来自那些被诠释过无数遍并且反复出现的主题，如“三博士来朝”“帕里斯的裁决”“画室里的艺术家”或诸如风景画或静物画等类别。这些典型作品主要是从基督教时代的作品中挑选出来的，由于古典时代的艺术意象源自迥然不同的各种理念，解释这些理念只会使本书的主要任务复杂化，而本书的主要任务是引导眼睛学习如何去“观看”。出于相同的考虑，书中未涉及同样有着重要影响力的远东艺术、伊斯兰教艺术和原始艺术。
为了避免资料的罗列和抽象语言的冗杂，本书集中讨论了不同时期可比较的艺术问题及其解决方案，以及这些问题本身在各个时代的变化。通过这种比较研究，读者可以对艺术有更清晰的认识，并最终实现对艺术的历史和美学结构更全面的了解。
风格的意义
人类历史中有一个令人费解之处，即某种无所不在、难以形容，却清晰可辨的力量构成了特定时代中人类的每一种行为和创造物的基础。从书写到问候，从舞蹈到服装，从餐桌礼仪到求婚，人类的任何行为方式都有一个共同的特质：风格。艺术，作为人类最微妙的表达方式，让风格在最富有意义的层面上得到充分展现。
正是基于这一共同的特质，所有艺术形式（包括文学、音乐以及造型艺术）在特定时期内，都存在某种相似性。这种相似性让一种艺术与另一种艺术的“相互阐释”成为可能，例如，通过将一幅画与同时代的另一个艺术领域（如音乐或文学）的艺术作品进行比较，来对这幅画进行阐释。这方面的一个例子是皮埃尔·高乃依静穆的古典主义悲剧和尼古拉斯·普桑冷峻的古典主义风景画之间在风格上的相似之处。乔治·弗里德里希·亨德尔创作的巴洛克复调音乐与奥地利建筑大师约翰·伯恩哈德·菲舍尔·冯·埃拉赫设计的宏伟宫殿存在对应关系。此外，拜伦勋爵的生平和叙事诗中充斥着狂暴、叛逆的特征，“拜伦式”也因此成为奋起反抗和特立独行的代名词，而这种特征也在欧仁·德拉克洛瓦的绘画和埃克托·柏辽兹的音乐中有所体现。尽管这种相似性并不是绝对的，但其出现之频繁足以暗示一个时代的主导精神中存在某种共通的特质。
人们已从多个角度，并以多种理论揭示一个时代的精神趋势和艺术风格之间的相互作用。尽管这些理论各不相同，有时甚至相互排斥，但均得出了同一种认识，即艺术中没有所谓的“进步”，不存在斯宾塞式的线性发展。在管道系统建造、机车设计、疾病治疗、贫民窟改善等方面，即技术、科学和社会领域的进步是不可否认的。但在艺术方面则不然，较晚的风格不一定比较早的风格更好或更坏。如果艺术有“进步”的概念，那么每个世纪都会产生比前一个世纪更伟大的作品。显然，事实并非如此。风格虽然可以比较，却没有高下之分。今天，我们看到了19世纪人们是如何错误地以单一阶段的“古典”标准来衡量其他时代和其他人的艺术的。任何用单一的价值标准来衡量一切创作的理论，都会因对艺术的一孔之见而遭淘汰。即使是艺术生命周期的概念，包括开始、发展和衰退，也不过是一种修辞手法而已，这就像把艺术同从低级到高级的有机进化相类比一样。艺术史上有太多的例子，不适用生物进化的类比方式。如果一般风格都不能用生物学术语来概述，那么艺术家的个人风格就更不能这样来简化。
在一位艺术家创作生涯开始的时候，无论他认为自己多么有创造力，他通常都会沿袭一些前辈艺术家走过的道路，而他们可能是上一代的创新者，例如，当今的年轻画家都受到马蒂斯、毕加索、布拉克等大师的影响。创造力只有在成长过程中才能得到发展。年轻的拉斐尔完全顺应了他那个时代的艺术品味，与众不同的仅仅是他那与生俱来的天赋和高品质的作品。在他后期的作品中，他预见到了巴洛克风格的趋势，而这种趋势在他死后30年左右才变得普遍。伦勃朗的发展则遵循了某种不同的模式。他在已经确立的传统中开始创作，但他后来形成的个人风格，虽然影响了一些荷兰画家，却没有真正形成一个艺术流派。在艺术中，没有任何规则可以用来预测个人风格的走向。作为文艺复兴时期代表人物的拉斐尔，从平衡且严谨的构图走向了特征强烈且夸张的布局。巴洛克时期的艺术家伦勃朗，放弃了他那戏剧性的夸张效果，转而最大限度地发挥内省的朴素。这种对比证明，个人风格的发展不存在典型的模式。
无论从个人还是整体的角度来看，至少是在造型艺术中，虽没有各种固定的规律来支配风格的发展，但还是有可能让我们追踪到其代际的演变。在演讲、表演、音乐和舞蹈中，我们显然无法直观地感受到艺术表现风格随时代的变化。但是诗歌和戏剧、歌曲和交响乐、绘画和雕塑以及其他艺术作品的原始本质得以保存下来，经过研究和比较，揭示出丰富多样的艺术价值。
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