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編輯推薦： 自己的画只会让别人爱，自己却爱不了。所以，你只能去爱别人、爱世界万物。然后，让自己被人爱。真正的艺术家，只能鞭打自己，却无法爱自己。 ──简忠威 蜚声中外的华人水彩大家简忠威先生，暌违5年，全新力作！ 展现蜚声国际的水彩大师5年变革之境，20年执教人生。“亚太水彩艺术协会”荣誉顾问、美国水彩协会署名会员兼海豚会士、美国肖像协会署名会员历时5年，融入水彩教学20余年体悟，汇聚东方大师视角下的西方水彩创作全记录。 152幅新作、14件太行山色、78幅素描草图，唤醒世人内心的东方意蕴、东方美学！ 画家亲自遴选，大陆首发，涵盖荣获国际大奖精品，再次唤醒全世界的东方美学共鸣。不限风景、静物、人像，不限素描、留白、色彩，5年精选杰作融合传统东方画意，呈现东方艺术家眼中的西方世界，水色游戏中熠熠生辉的东方之美。 63篇技法心得、52段艺术思语、14篇专题文章，品味水彩哲学新境界！ 献给所有热爱水彩和生活的读者，丰富真挚的艺术感悟，有趣易懂的构图学艺术启发。原始草图 铅笔构图 过程草图 实景照片，还原大师创作历程，解析大奖作品诞生的创作原则。让每一位爱好者、学习者把握下笔的逻辑结构，触发 內容簡介： 《心境：简忠威水彩艺术》是水彩大家、艺术教育家简忠威先生继《意境》之后、时隔5年的新作，同时也是“境”系列的收官之作。 从“形趣之境”到“意境”再到“心境”，简忠威先生用十年的水彩心路，引领读者走进水彩艺术的绚丽殿堂。这里面，有水彩的特质分析，有绘画的基础原则，有媒材的选择发挥，有技巧的阐释讲解。《心境》一书选录简忠威先生将自己对中国绘画的理解和西方水彩的研究熔铸到太行山色中的最新创作，从画面构思、处理、用色到定名，从画作到画意，无处不在的东方神韵，令人一见钟情的东方美学。 通过本书，读者不仅能欣赏到高水平的绘画杰作，还可以读到一位水彩名家的自我挑战与革新。感受一位艺术家，对于观赏者的诚挚感谢，对于学习者的谆谆教诲，对于自身的孜孜以求。 關於作者： 简忠威，水彩艺术创作与教育工作者。1990年辅仁大学应用美术系毕业，1998年台湾师范大学美术研究所西画创作组硕士。目前担任“亚太水彩艺术协会”荣誉顾问、美国水彩协会（American Watercolor Society，AWS）署名会员兼海豚会士（AWS， D. F.）、美国肖像协会（Portrait Society of America，PSA）署名会员。简忠威先生的作品近年来屡获重要国际水彩大奖，向国际水彩界展示东方美学的无限创造力。 目錄： 自序 第一章 屋顶天际 把自己逼到绝境，就能看见自己的艺术 把素描熬成汤底 跳脱框架 伏尔塔瓦河 威尼斯交响曲 画什么 怎么画 抄袭的定义 2021的水彩回顾 延展 丰富与单纯 绘画的魅力 理性与感性 收尾的艺术 风格就像空气 不是涂上颜料，而是留下痕迹 我在乐队班与美术班的点滴回忆 第二章 灯火夜色 我是怎么画的？ 人生的旁白 当街灯亮了起来 留白的艺术 飞龙在天 熟能生巧的人性弱点 在灵光乍现之前 为合而分 蓝色塞纳 歌剧院魅影 选择的机会 洗白的逆袭 水彩画家的真心话 第三章 街道巷弄 画家心里藏首诗 素描 水彩 三位一体 走在信仰的路上 在卢浮宫外 谢谢你看到我的画 飞白 盖住肉眼 打开心眼 水彩刮刮乐 后窗 光影的料理 重复，是统合的最大敌人 收放自如 换位思考 黑白键上的雨滴 第四章 天空与树 惜福 只有内化的素描态度 没有表面的素描技巧 破坏性建设 自学的时代 默画 飞出风格的鸟笼 天然与人工 基础不等于基本功 空即是色 画造形，不画景物 绘画不死 再论AI：我画画因为我喜欢 第五章 晋中古城 平遥暮色 创作过程解析 黄土高坡上的布达拉宫 创作过程解析 日照大宅门 创作过程解析 春草绿 创作过程解析 纸板的温度 晨光不待启窗扉 创作过程解析 写生，万事莫如抓影急 十与Ⅹ 第六章 花卉静物 第一眼，就决定了爱或不爱 开场容易结局难 起死回生的意义 水彩的企划书 一场游戏，一张画 把题材吞进去，再吐出来 点亮自己的灯 舍弃比变造容易 三十年前的我 三十年后的我 第七章 人物肖像 观心 阿良的微笑 Robert Wade 线条与调子 水彩的样貌 形的企图 认识才有真爱 只要用心看就会进步 为什么刚好是我？ 大师的镜子 第八章 集外 焦点能量分析 问答集 內容試閱： 自序 2014年，我以45岁重出水彩江湖的心态，从画室教学示范里精选出百余件水彩作品，举办个人画展“形趣之境”，并发行同名画集。其中，除收录全部展出作品之外，还节录了我在社交媒体上发表的有关绘画教学与创作的心得短文。十年前的这场展览与同期画集，可说是在画室的讲桌上，一张张、一句句积累出来，是初试啼声的简忠威水彩艺术。 2018年，我再次举办水彩个展，比照四年前的模式推出新的画集，除收录2014年至2018年间的作品和文章之外，在每个篇章之后，增加一组过程示范图说讲解，给传统画册增添学习与收藏的多元价值。画展与画集皆取“意境”之名，是为了和“形趣之境”产生联结，另一方面，也隐喻从形象到意象的境界追求。《意境》中的作品，以50岁的水彩画家在个人艺术风格趋于成熟的普遍认知标准上，自认为算是达标了。 2021年，画室因全球形势不得不长时间停课，我有了更多时间与精力去整理我的教学笔记，例如本书收录的探讨“焦点能量分析”的专文。停课前的画室示范、前些年在世界各地的写生，以及那些还差临门一脚的未完成作品，陆续收官、落款，例如第16届国际ARC沙龙大奖赛中获奖的《卢浮宫外》《点亮自己的灯》。同时，我开始创作四开以上的室内作品，包括在美国肖像协会举办的第25届国际肖像大赛获第一荣誉奖的作品——人生首次的水彩自画像：《孤寂的自画像》。 2023年11月，我结束了长达20年的画室水彩教学生涯，从此得到完全的创作自由。不再烦恼“下周要给学生画些什么”之后，我开始挑战大尺幅的水彩创作，《黄土高坡上的布达拉宫》成为我自研究所毕业以来，第一件全开的水彩画。 虽然，我现在逢人就说类似“从画室退休，是我这辈子做的最正确的决定”之类的话。但我深知，我的水彩画无论就题材或风格来看，之所以有着如此多样的面貌，完全得益于多年来在画室求新求变的教学实践，它让我对题材不挑食、将风格当游戏。 2024年初，我着手整理2018年至今所有的水彩画作品，准备将其与另外十余件素描一起编辑成册。与《意境》的不同之处在于，这本画集收录了我上课时的示范或个人创作所参考的原始题材照片、铅笔构图发想小稿等。我想在版面空间允许的情况下，尽量展示作品背后的“来源”，供大家比对研究。 我曾在2019年初写了几句话发在网络平台上： 画深入不画清楚，画丰富不画细节。 画残缺不画琐碎，画造形不画景物。 画心境不画视界，画品味不画风格。 没想到它们在绘画圈里迅速传开，让很多画友，尤其是学生或初学者觉得困惑。画得越深入丰富，细节不就越多越清楚吗？残缺与琐碎如何区别？造形与景物是两回事吗？内心感受与肉眼所见没有关系吗？个人品味不等于个人风格吗？画家辛勤工作，不就是为了画出自己的风格，这难道错了吗？ 当时，我想过要找时间好好写几篇长文来解释这几句话。不过，当我看到许多网友纷纷对这几句话提出自己的诠释与见解后，就确定不需要我多此一举了。经过自己思考的答案，永远比书上的标准答案，有分量、有价值、有意义。这也是我把上课时的草图与素材照一并收录的原因。由于版面有限，很多作品没有多做说明，我希望大家自己去解读这些信息，找出变化的轨迹，使之成为自己的养分。 从2014年的《形趣之境》到2018年的《意境》，再到2024年的《心境》，这三个书名隐含着我在不同时期对“造形”“探意”“从心”的自我批判与境界追求。这本《心境》虽然是简忠威“境系列”水彩画集的完结篇，但它同时也开启了新的篇章，提醒我不忘初心、不违本心、不负真心，继续探索水彩艺术未究之境。 简忠威写于永和 2024年6月28日 抄袭的定义 每每看到网络上关于绘画题材风格的模仿抄袭争辩，或明示、暗示自己的某某技法是开天辟地独门独派，我的眼球只好翻到天外天的天花板。 我再强调一次，不只是题材无关乎风格抄袭，就连“风格表现技法”或“媒材运用手法”都不应该明示或暗示抄袭与否。如果题材与表现手法都算在抄袭范畴，那就没人可以提笔画画了。 简化抽象的几何图形画法，也是风格的范畴。风格是学习方式与模仿程度问题，每一位专业画家，都是通过不断模仿与学习更高层次的艺术手法，吸取养分而成就一家风格。所以，艺术界的学习与模仿并不可耻，也不是问题，但如果刻意掩盖学习来源，这种小心眼就比较有问题。 风格范畴是模仿程度的问题，不是抄袭的问题（就更别提所谓“特殊媒材”的运用了）。但个别作品的“结构”会有抄袭程度的问题。我认为的“抄袭”，是指某特定作品“整体结构”的被拷贝程度。天下没有出现过两盘相同的棋局，一张画的画面结构也是。整体结构越相符，就越有抄袭的嫌疑。 你可以学习模仿别人的表现手法去练习，但不能拷贝（或变相拷贝）别人的“结构”当成你的创作。画家对艺术的自觉与心态，才是需要正视的问题。 …… 绘画的魅力 是什么能让一幅绘画作品，散发出持久而迷人的魅力？估计知道答案的人不多。就算知道，还可以运用自如的，更是凤毛麟角了。无怪乎放眼当今网络分享的画作，兼具美感与趣味，而且百看不厌的作品，不能说没有，只是要把鼠标滑得久些。当然，这取决于观赏者个人绘画审美品位、艺术修养的高低，对画家本身而言，更是如此。 写实绘画与抽象绘画的争论，对于精通绘画奥秘的大师，从来就不是选择题，更不是是非题。写实与抽象就像一枚硬币，是造形艺术的一体两面：一面是写实的头像，另一面是数字的抽象意涵。二者互相辉映彼此的形象与价值，数千年来被人们铸造并赋予价值认同而使用着。 人类需要吃喝拉撒睡才能活，画家必须经年累月面对造形，观察现实，顺应个性发展，而后逐渐涌现画家个人，以及自然而然且必然的画面需求。绘画大师们早就把具象与抽象双主菜吃得津津有味，只有对绘画艺术一知半解的小孩还在讨论应该选哪一个而喋喋不休。 不可否认，写实绘画对大众而言，总是浅显易懂、趣味盎然。但是对高水平的专业画家而言，更在乎的是如何利用写实来表现独特的审美。究竟要写哪一种“实”？是肉眼所见的真实，还是物体本身的真实？试问：小朋友手上拿着一只竹蜻蜓，和已经飞到天上的竹蜻蜓，这两种截然不同的视觉经验，何者才是“真相”？也许我们换另一种问法比较实用：哪一种感官经验更能够在创作中表现出竹蜻蜓对你而言的价值与意义？ 实体或现实本身，对画家而言并非创作的重点。透过观察实体或体验现实得到的“感受”，才是画家有用的创作材料。 或者我应该更强烈地说：“通过个人视觉与感官经验感受到的‘真实’，就算有些错觉、有点偏差，甚至是个人主观偏执的‘真实’，对画家而言，可能比事物本身的‘真实’还来得更加珍贵。” 为何画家们总是把前面的人物画大，后面的人物画小；近景画得很清楚，背景却画得很模糊？那是因为几百年来的画家们都知道，不管是线性透视法还是大气透视法，都是为了表现视觉感官的真实，而不是物体本身的真实。 莫奈在烈日下画着干草堆，把暗面画成了紫一块、橘一块，我们不知道他是否得了视网膜病变还是被阳光晒昏头。不可否认，在莫奈的干草堆画作前，这些夸张的色彩和笔触，确实唤醒了那些曾经踏过农场草原土地的观众的视觉经验与记忆感受。同样是树，19 世纪法国风景画大师柯罗（Jean Baptiste-Camille Corot，1796－1875）画得让人感到沁心舒畅，而德国浪漫主义风景画代表人物弗里德里希（Caspar David Friedrich，1774－1840）总是画得让人毛骨悚然。二位大师画的树都散发出强烈的诗意和持久而迷人的魅力，只是它们是两种完全不同的感受。 这些精通绘画奥秘的大师们，善于运用其敏锐的观察力，去满足个人主观偏执的感受。更重要也更有趣的是，这种主观偏执感受，会随着画者本身绘画经验的累积与生命的历练，往内心深处不断地反思并演化。这就是为何美术史上那些引人入胜的精彩画作，总是出自善于内省的大师之手。 透过现实的观察与理解，接下来更重要的是：推敲自己的感受、重视自己的感受、强化自己的感受。这就是我常说的“不要画事实，尽量画感受”。否则，你穷尽一生，也只能画出一堆无趣的作品。 透过肉眼所见的形象，成为内心感受的材料。再将“感受”当作创作的材料，这就是绘画艺术入门之道。 那么，如何把这些好不容易推敲出来的丰富而独特的感受，从刹那变永恒？就一句话：将感受形象化以后，再予以结构化。答案看似很简单，做起来比登天难。每个人都有自己独特的感受与经验，都有自己的故事，但可惜的是，只有真正的艺术大师，才善于将感受与经验化成形象、赋予结构，成为说故事的人。 造形与结构是一种将“现实”的印象和记忆予以强化、加深，让题材尽善尽美的学问。能有效强化印象与记忆的造形，通常也是美的。流行乐之王迈克尔 · 杰克逊在演唱中把脚一蹬，弓着身子、曲着双腿，像芭蕾舞者立起脚尖的那一刻，就是触动迷弟迷妹疯狂尖叫的开关，成了天王不朽的形象；举世闻名的日本浮世绘《神奈川冲 · 浪里》，葛饰北斋圈了一个大圆弧巨浪来吞噬富士山，用线条塑造了一个比崇高还要崇高的大自然，将造形艺术一次又一次地推上人类文明的高峰。

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